Il thread dei tributi

[hussita]

( da rockol)

La band si è formata nel 1986 a Boston grazie a Frank Black (vero nome: Charles Thompson), chitarrista e cantante di origine californiana, e al chitarrista Joey Santiago. La bassista Kim Deal si è unita ai due rispondendo a un’inserzione su una rivista musicale, e ha introdotto nella formazione il batterista David Lovering. Dopo un buon numero di concerti nell’area di Boston, il gruppo registra un demo su cassetta che attira l’attenzione di Ivo Watts, boss della indie inglese 4AD. Otto delle canzoni sul demo finiscono sull’EP COME ON PILGRIM, pubblicato nel 1987 e preludio al primo album completo, SURFER ROSA, prodotto da Steve Albini e uscito l’anno dopo. La combinazione fra sonorità aggressive e melodie accattivanti viene molto apprezzata sia dalla stampa specializzata che dal pubblico e l’interesse verso al band aumenta DOOLITTLE (1988) entra nella top 10 inglese e fa capolino anche nelle classifiche americane, grazie anche ai due singoli “Monkey gone to heaven” e “Here comes your man”. I Pixies diventano uno dei gruppi più importanti dell’alternative rock, soprattutto in Europa, e i concerti del periodo ne consolidano la popolarità. Dopo un periodo di sosta, durante il quale Kim Deal forma le Breeders, con le quali incide POD nel 1990, i Pixies si rifanno vivi con BOSSANOVA (1990),che suscita qualche perplessità nella critica, ma vende meglio del predecessore e contiene altri due singoli fortunati come “Velouria” e “Dig for fire”. I rapporti fra Black e Kim Deal, le cui canzoni trovano pochissimo spazio negli album, cominciano a farsi piuttosto tesi. La storia della band si chiude con TROMPE LE MONDE (1991) e il tour successivo, durante il quale i Pixies aprono anche per gli U2. Portati a termine gli impegni, si fermano per una pausa che si trasforma in scioglimento definitivo quando Black annuncia la fine della band durante una trasmissione radiofonica, all’insaputa degli altri componenti. Negli anni successivi, escono altri album dei Pixies, composti da registrazioni dal vivo (DEATH TO THE PIXIES), session radiofoniche (PIXIES AT THE BBC) e materiale pubblicato in precedenza su singolo (COMPLETE ‘B’ SIDES).

DISCOGRAFIA ESSENZIALE
SURFER ROSA - 1988, 4AD
DOOLITTLE - 1989, 4AD
BOSSANOVA - 1990, 4AD
TROMPE LE MONDE – 1991, 4AD
DEATH TO THE PIXIES: 1987-1991 - 1997, 4AD
PIXIES AT THE BBC - 1998, 4AD
COMPLETE ‘B’ SIDES - 2001, 4AD

[hussita]

Peter Murphy - Daniel Ash - David J - Kevin Haskins


It is one of the ironies of rock music that few groups, such as The Velvet Underground or The Doors, only gain their influential reputation with hindsight, long after they have disbanded. Bauhaus broke up in 1983, yet fifteen years later their back catalogue sells better than ever, their style still contemporary, and the live shows are now legendary. With the image and brooding music it was inevitable that Bauhaus would be classified with the vanguard of the "goth" fashion, a totally misleading confinement which ignored their humor, experimentation and uniqueness. Their music was dark rock 'n' roll, owing more to Elvis Presley's "Heatbreak Hotel" than to their imitator's pompous epics which gave the Gothic genre a bad name.

The Craze, The Submerged Tenth or Jack Plug and The Sockettes are not exactly internationally known names- hardly surprising, since these (among others) were early short-lived ventures involving two brothers, Kevin and David J. Haskins and later, guitarist Daniel Ash. The chemistry lacked a certain "je ne sais quoi" until a phone call from Daniel to Peter Murphy, ex-school friend and like-minded "beautiful misfit." Within a couple of weeks, Peter and Daniel were writing so prolifically together that over one weekend they had penned "Dark Entries," "In The Night," "Boys," "Harry" and numerous others that were developed by the final line up when Kevin and David joined. Thus the seeds were sown for what, a month later, would be known as Bauhaus, (at one point suffixed "1919"), drawing comparisons with the aims of its namesake, the German art movement. Very soon after their public debut on New Years Eve 1978 they recorded a 12" single "Bela Lugosi's Dead." Released in August 1979 on the Small Wonder label, the track is an epic. The band recorded it in one take and for the price of a bouquet of "Tomb Flowers". It's a dark slab of music, an auspicious debut for any group, over nine minutes long and still sounding unlike anything else. At the groups request, this version of "Bela" has never been available on any album until now, with the release of Crackle, the most recent Bauhaus compilation.

Already Bauhaus' live shows were attracting attention. Using white lights only ("Colored lights are for Christmas trees" - Bauhaus), videos on a single small screen and one strobe, the group was startling, threatening, and hypnotic, especially in the confines of a small club.


You may not care to have the fear of God instilled in you at a gig, partially from the band, but Bauhaus proved an exhilarating exception. Audience communication is never broached, more a sense of intimidation that immediately demands you take an interest - deeply explosive drums, throbbing basses and a never ending variety of guitar sounds which never resort to conventional methods of attack.
- Melody Maker
Following a typically awesome show at the Rock Garden in London, they were signed to the fledgling 4.A.D. label, releasing three singles: "Dark Entries," "Terror Couple Kill Colonel" and "Telegram Sam" and a debut album, In The Flat Field, one of the great albums of the 1980's- pure psychedelia with a kick-in-the-ass; taught, dark, and unique. Released in late 1980, and containing none of the singles, it still remains "uneasy" listening but serves as an inspired introduction, especially to the underrated guitar style of Daniel Ash.


If you can't stand Bauhaus, then I suggest you sit down.
- Peter Murphy
All of these 4.A.D. recordings have now been re-mastered and released for the first time in the USA on an expanded CD of In The Flat Field.

In September of 1980, Bauhaus made their debut performances in the USA, returning the following February for a 16 date tour. On the verge of a wider audience acceptance, they transferred to the Beggars Banquet label and released the single "Kick In The Eye," which introduced a much more commercial sound and dance rhythm.


We have now left the underground but we do intend to go back for lost weekends every now and again.
- David J
Keeping to a policy of spontaneity in the studio, the next Bauhaus single, "The Passion Of Lovers," was written and recorded in a day, and Mask, the second album, was a change in style from their debut. Less frantic and more mature, it presented a melodic, musically broader collection of songs, while still retaining the experimental edge. Eleven months after it's first appearance, a remix of "Kick in the Eye" returned as the 'A' side of the Searching For Satori EP.

Though the group had been touring consistently in the UK and abroad, breakthrough success still eluded them. The next single, "Spirit," was their first (and last) to use an outside producer, and scraped into the UK top 50. The group were unhappy with the arrangement of the song so a longer and more complete version was re-recorded for the next album.

Despite making great (if unconventional) videos and being a strong visual attraction, the group's first real exposure on television came from a non-musical source when Peter Murphy starred in a series of stylish and trend setting Maxell tape advertisements filmed by the renowned Howard Guard (who later filmed the band's "She's In Parties" video). This led to a cameo performance in the movie "The Hunger", a modern version of the vampire myth set in New York. Bauhaus performed (appropriately) "Bela Lugosi's Dead" in a club visited by the leading stars, Catherine Deneuve and David Bowie, while on the lookout for a suitable bite to eat.

The Bowie connection was renewed when the group recorded cover versions of "Ziggy Stardust" and Brian Eno's "Third Uncle". In the late 70's and early 80's the English music press played the lazy game of categorizing many different artists as Bowie plagiarists if they saw a hint of mascara or the slightest glint of "Glam Rock". Like their contemporaries, Bauhaus had grown up in he 1970's, so Bowie (a man not averse to adapting a wide selection of personas in his time) was one of several influences. The group had already released Marc Bolan's "Telegram Sam", so in a typically provocative way they knew that releasing "Ziggy" (the theme song of Bowie's most popular incarnation) as their next single would invite howls of protest. To heighten the satire, the track was released along with "Third Uncle" and, on the 12", a live take of The Velvet Underground's "Waiting For The Man" featuring a ragged duet with Nico herself. And the sleeve incorporated Aladdin Sane's "Lighting Bolt' over the Bauhaus logo. Probably we'll never know who had the last laugh, but the single finally gave Bauhaus the UK top 20 hit they deserved and the new album The Sky's Gone Out entered the LP charts at number four. Included free with the first 30,000 copies was a live album made up from shows in late 1981 and the Old Vic, London in February 1982. Released independently later, (along with a bonus live single and poster of group photographs sent in by the public), the title Press the Eject and Give Me The Tape reveals the last words on a bootleg tape confiscated by security at the Old Vic theater! Just as the live album is a "warts and all" recording of the group's on-stage forte, so the studio record was mostly written as it was recorded, creating a patchy but personal album.

As the band were booked in to record a new album, Peter Murphy became seriously ill with viral pneumonia. The others, impatient and bursting with ideas, decided to start without him and by the time Peter was recovered over half of the album was recorded, leaving Murphy to reinterpret or rewrite the vocals an only the remaining four songs were true band collaborations. The end result was an album that implicitly signaled the split that was to come. "She's In Parties" was released straight-away as a single and, following a series of Japanese concerts in May, Bauhaus toured England from June 11 to July 5. During the final show at Hammersmith Palais and after an unprecedented encore of six songs, David left the stage with the words "Rest in Peace". (This show is available complete but slightly lo-fi on CD as, logically, Rest In Peace - The Final Concert).

Speculation was rife as to Bauhaus' future when the new album Burning From The Inside was issued in 1983. Very diverse, and a product of the individual group parts, the record received wide-spread press acclaim, and rose into the UK top 10 before a press release confirmed that Bauhaus had decided to go their separate ways.

The recorded legacy continued beyond the bands demise. When the group disbanded it was felt that, as some fan club members had just paid their annual subscription they should be compensated. 325 copies of a single featuring one of the best tracks any group has left off an LP The Sanity Assassin were sent out free. This track is now released in it's extended form for the first time in the USA on Crackle.

Apart from a double best of album (Bauhaus 1979-1983) which was later expanded into two CD's and other assorted compilations, the major "posthumous" release has been an album of radio sessions, Swing The Heartache, which features alternate versions and some otherwise un-issued songs. Recently a limited edition book of Bauhaus memorabilia, "Beneath the Mask", was also published and included a CD of a very early recording session.

Though the commercial success of Bauhaus has subsequently been eclipsed by the group's individual projects (Tones on Tail, Love and Rockets, and Peter Murphy solo), their musical legacy still remains highly influential - the mark of a truly great band.

And on July 10th and 11th, 1998 at the Hollywood Palladium in Los Angeles, with the fastest multi-show ticket sell out that the venue has had for over 8 years, Bauhaus is resurrected... So why have Bauhaus reformed now? Certainly there is a huge relevance for Bauhaus' music in 1998, which is obviously abundantly referenced, but also the cause of much inspiration today. I can only speculate - but who hasn't wondered what might have been if you hadn't split with an old flame? Until now the four individuals from Bauhaus have always said "never" but maybe with time the curiosity of "why not?" creeps in. This isn't a rusty unit that needs to revisit past glories. While the musical section of Love and Rockets have had their own sabbaticals, they have still continued to work together for 5 years after Bauhaus, and Peter's five solo albums have established him as possibly the only 'star' left in a field of purposeful anti-star mentality. So for now the vocals are back together with the music to have fun and explore some unfinished business. After 20 years of working with Peter Murphy, Daniel Ash, David J and Kevin Haskins, I've come to recognize one constant - expect the unexpected!



Steve Webbon, Beggars Banquet



Tomb flowers will bloom
With new tales of random serenity
And the fabric of dreams
Will always exist.
Like a soul in action
From the kingdom
Of the white on white idols
Here dreaming in new gowns.
You'll hear the riddle of prayers calling
In the lurking lipstick scenes
And a young man held to a flexible God
And pretty girls who scream.
The lost and found
Will lay with their still love
And lift your echoing heart
In a private paradise of dreams
And an air that falls apart.
- Bauhaus 1998

http://www.bauhausmusik.com/bio/

[hussita]

da rockol

Gli XTC sono uno dei gruppi britannici più ammirati ed affascinanti degli ultimi vent'anni. Andy Partridge, autore di tutti i testi, è considerato, al pari di Ray Davies dei Kinks, uno dei compositori più geniali del Regno Unito. Il sound XTC riunisce l'amore per tutto ciò che è inglese e per lo stile "America anni '50" e si estende alle melodie spigolose, al puro stile pop psichedelico, folk e beat degli anni '60. Dal 1972, anno di formazione del gruppo, la produzione degli XTC si può descrivere non meno che prolifica. Il loro album di esordio, WHITE MUSIC, uscito nel 1978, fu subito seguito da GO 2, dello stesso anno, che assicurò loro la fama di esplosivo gruppo pop. L'anno seguente la famigerata "Making plans for Nigel" - tratta dall'album DRUMS AND WIRES - fu tra i primi venti singoli più ascoltati e permise alla band di raggiungere un pubblico nuovo e più vasto, assetato della loro musica. Il successo fu rafforzato dai singoli che seguirono, fra cui lo straordinario "Generals and majors", "Sgt. Rock (is going to help me)" e "Senses working overtime". Furono tutti successi nel Regno Unito e in USA, e la fama del gruppo si consolidò ulteriormente grazie ad un tournée internazionale di proporzioni oceaniche, che però avrebbe avuto serie conseguenze per Partridge: il leader del gruppo infatti cominciò a soffrire di paralizzanti attacchi di panico da palcoscenico che posero fine per sempre alle performance dal vivo del gruppo. Gli XTC continuarono in ogni caso a registrare e produssero dei video promozionali, anche se ad un ritmo più ragionevole rispetto agli anni della loro prima produzione. Registrarono anche, sotto le mentite spoglie della band psichedelica The Dukes of Stratosphear, ben due album, 25 O'CLOCK nel 1985 e PSONIC PSUNSPOT nel 1987, ottenendo un pieno successo di critica che elettrizzò ulteriormente il gruppo. ORANGES AND LEMONS, uscito nel 1989, fu una vera ispirazione, con i giochi lessicali di Partridge sullo sfondo di una bellissima chitarra a dodici corde. La produzione successiva, NONESUCH (1992), era una combinazione di ardenti melodie, altamente riflessive e veramente minacciose; uno dei brani, "The disappointed", ebbe una nomination per il premio "Ivor Novello". Nel 1999, dopo la dipartita dal gruppo di Dave Gregory, esce un nuovo lavoro, APPLE VENUS VOLUME 1, il primo di inediti dal 1992, a cui ha fatto seguito nel 2000 il secondo volume, WASP STAR.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE
WHITE MUSIC - 1978, Virgin
GO 2 - 1978, Virgin
DRUMS AND WIRES - 1979, Virgin
BLACK SEA - 1980, Virgin
ENGLISH SETTLEMENT - 1982, Virgin
MUMMER - 1983, Virgin
THE BIG EXPRESS - 1984, Virgin
THE COMPACT XTC (THE SINGLES 1978-1985) - 1985, Virgin
SKYLARKING - 1986, Virgin
ORANGES AND LEMONS - 1989, Virgin
NONESUCH - 1992, Virgin
FOSSIL FUEL (THE XTC SINGLES 1977/1992) - 1997, Virgin
TRANSISTOR BLAST - 1998, Cooking Vinyl/RTI Music
APPLE VENUS VOLUME 1 - 1999, Cooking Vinyl/RTI Music
WASP STAR (APPLE VENUS VOLUME 2) - 2000, Cooking Vinyl/S4

[Jaki]

Il 23 novembre del 1991 il mondo del rock fu colpito da un annuncio scioccante: Freddie Mercury aveva confessato pubblicamente di essere malato di AIDS. Fino ad allora solo gli amici più stretti erano a conoscenza della terribile verità. Il giorno dopo, Freddie, 'the bad guy' (il cattivo ragazzo) moriva, circondato dalla gente a lui più vicina.
Per sua espressa volontà, gran parte del suo immenso patrimonio fu destinato al Terence Higgins Trust, un ente privato impegnato nella lotta all'AIDS. Sono passati dieci anni da quel giorno ma il popolo del rock conserva immutata la sua passione nei confronti di uno dei cantanti più esplosivi della sua storia, probabilmente il personaggio che più di ogni altro è stato capace di tradurre nei codici più popolari l'immaginario gay. Se prima di lui figure come David Bowie, Lou Reed, Marc Bolan, i New York Dolls avevano giocato con l'ambiguità, Mercury ha trasformato la sua diversità in spettacolo, traducendo in chiave rock, con un gigantismo volutamente kitsch e autoironico, quel modo d'essere dal quale erano scaturiti la disco music e il mondo della 'febbre del sabato sera'.
Freddie era nato a Zanzibar il cinque settembre del 1946: il suo
vero nome era Farrock Bulsara. Prima di approdare al mondo del rock aveva raggiunto il quarto anno di pianoforte e teoria musicale. L'inizio dell'avventura con i Queen, che lo ha portato a stabilire alcuni record nel Guinness dei primati della popolarità del rock, è legata a un annuncio su un giornale musicale pubblicato da un allora promettentissimo studente di astrologia, Brian May, il chitarrista destinato a diventare l'alter ego musicale di Freddie. May sognava di formare un gruppo che suonasse un repertorio simile ai Cream, il leggendario 'super triò formato da Eric Clapton, Jack Bruce e Ginger Baker.
Invece si trovò insieme a Freddie Mercury, John Beacon e Roger Taylor in un quartetto che ha conciliato il rock duro con quel sinfonismo di ispirazione classica del rock 'progressivò che, nei primi anni '80 aveva provocato la ribellione del punk. Titoli come 'Bohemian Rapsody', 'A night at the operà sono in questo senso programmatici, anche se è chiaro il loro intento ironico, visto che il secondo, così come 'A day at the races' (un giorno alle corse) è una citazione letterale dei film dei fratelli Marx. La voce dall'estensione non comune nella musica popolare e le doti di show man di Freddie Mercury hanno avuto un ruolo decisivo nel clamoroso successo dei Queen: non per niente è opinione comune che il loro set sia stato considerato il migliore nell'incredibile parata benefica di stelle del Live Aid. Nel corso
di una sfavillante carriera, i Queen sono stati la prima band a suonare in un Paese dell'allora 'blocco dell'Est' - l'Ungheria - nonchè la formazione che ha richiamato il più imponente pubblico pagante di sempre - Rock in Rio. Mercury dal canto suo, ha accumulato una serie di eccessi - soprattutto sessuali - che, dopo avergli dato un posto di primissimo piano nella Babilonia del rock, hanno finito per condannarlo a una morte precoce.
Il party organizzato a New Orleans per il lancio dell'album intitolato 'Jazz' è ancora ricordato come uno dei più folli mai visti. Probabilmente il brano che meglio di ogni altro sintetizza la personalità di Freddie Mercury è 'Barcelona Barcelonà, il duetto inciso per le Olimpiadi, con Montserrat Caballe, la soprano che era l'idolo di 'the bad guy'.
Per una malinconica coincidenza, l'ultimo video inciso da Mercury si intitolava 'Days of our lives' (Giorni delle nostre vite), un brano tratto dall'album 'Miraclè. Un miracolo sembrò la bellezza della sua voce rimasta intatta nonostante la terribile malattia, tanto da indurre i suoi vecchi compagni a pubblicare, postumo, un album di brani mai incisi. Le registrazioni furono effettuate a Montreux, la cittadina della Svizzera scelta da Mercury come rifugio privatissimo e che oggi ospita un busto di Freddie nel giardino di una casa sulle rive del lago.
Sono dunque passati dieci anni dalla morte - nove dal concerto organizzato a Wembley dai suoi ex compagni - di un grande istrione del rock: i suoi fan non potranno non pensare a lui mentre sugli schermi prende corpo il successo di «Hedwig», erede di quell'ambiguità rock che Freddie Mercury ha interpretato fino alle conseguenze più estreme.


Ultima intervista televisiva rilasciata da Freddie Mercury (1986):

“Se dovessi morire domani, non mi preoccuperei. Dalla vita ho avuto tutto. Se rifarei quello che ho fatto? Certo, magari solo un po’ diversamente. Io cerco solo di essere genuino e penso che questo traspare dalle mie canzoni.Non voglio cambiare il mondo, lascio che le canzoni che ho scritto esprimano le mie sensazioni e i miei sentimenti.”

“Mi è sembrato corretto non fornire prima questa mia informazione personale allo scopo proteggere la privacy di coloro che mi sono vicini. Comunque è giunto il momento che amici e fan di tutto il mondo sappiano la verità: a seguito delle enormi congetture apparse sulla stampa, vorrei confermare che ho sostenuto il test HIV e sono risultato positivo. Ho l’ AIDS. Spero solo che ognuno si unirà a me, ai miei dottori e a tutti quelli che lottano contro questa terribile malattia.”

Il giorno seguente, domenica 24 novembre alle ore 19, Freddie Mercury muore, stroncato da una polmonite, nella sua villa di Kensington, trasformata in una clinica per l’ assistenza a Freddie. Dopo la sua morte il mondo della musica ha reso omaggio alla statura artistica del personaggio scomparso. L’ evento più importante è stato il “Freddie Mercury’ s Tribute”, tenuto allo stadio di Wembley il 20 aprile 1992, con la partecipazione di numerose star del rock e una platea radiotelevisiva stimata al miliardo di persone.

[Paolo82]

Innanzitutto:bel 3d,complimenti tutti..

Originally posted by Hicks
Giustissimo, oltretutto i Sex Pistols avevano chiesto a Barrett di fargli da produttore, ma quest'ultimo era troppo fuso ormai.
Comunque spero abbiate sentito tutti il rifacimento fatto da Vicious di My Way di Sinatra (anche nella sigla di coda di "Quei Bravi Ragazzi" di Scorsese), un vero capolavoro

Certo,perchè McLaren invece non era minimamente fuso...

Comunque se vi piacciono i Sex Pistols rimediate il vhs 'The Great Rock'n'Roll Swindle',è qualcosa di delirante..

[NeKaTiVo]

Ho visto un Post dedicato a Charlie Parker... per rimanere in tema di musicisti geniali e "maledetti" vorrei dedicarne uno a Jaco Pastorius.The world's greatest bass player...





Sarebbe riduttivo solo parlarne in un post...e poi non sono bravo nello scrivere biografie di mio pugno...
Quindi Posto un link di un sito in italiano a lui dedicato ( vi sono anche dei link verso altri siti, compreso quello ufficiale )

http://web.tiscali.it/no-redirect-ti..._home/Jaco.htm

[enrique lister]

Originally posted by Paolo82

Comunque se vi piacciono i Sex Pistols rimediate il vhs 'The Great Rock'n'Roll Swindle',è qualcosa di delirante..

c'ho il cd.
Ma anche Kiss this mica è male

[DD]

http://www.geocities.com/SunsetStrip...547/grave.html

[DD]

http://www.johnnycash.com/

[Paddy Garcia (POL)]

Si è spento a Parigi Sergio Ortega, scrisse "El pueblo unido" per Allende
di red

Si è spento la notte scorsa a Parigi il compositore cileno Sergio Ortega, universalmente conosciuto come autore delle più
famose canzoni del movimento Unidad popular di Salvador Allende, tra cui Venceremos e El pueblo unido jamas serà vencido). Aveva sessantacinque anni, trenta dei quali vissuti da esule nella capitale degli esuli, Parigi. Lo ha divorato un cancro fulminante al pancreas.

Nato il 2 febbraio 1938 ad Antofagasta, Sergio Ortega Alvarado fu uno dei musicisti fondamentali della "Nueva Cancion Chilena" insieme a Victor Jara e con gli Inti-Illimani, e compose anche musiche da film e canzoni basate su testi letterari come il "Canto general" ispirato al lavoro di Pablo Neruda. Di recente aveva ottenuto un grande successo in Finlandia con l'opera "Fulgor y muerte de Joaquin Murieta", composta nel 1967 e messa in scena al Teatro di Santiago soltanto nel 1988, dopo la fine della dittatura.

Alla fine degli anni Sessanta Ortega Alvarado era professore di composizione al Conservatorio di Santiago del Cile e con la vittoria del Partido di Undidad Popular di Salvador Allende ebbe la direzione artistica della tv dell'Università, incarico che ricoprì fino al 1973 quando la democrazia in Cile fu uccisa insieme al suo presidente eletto democraticamente. Si rifugiò in Francia, dove fu direttore della scuola nazionale di musica di Pantin. E solo nell'83 fece ritorno nella sua patria d'origine. Durante le celebrazioni per il bicentenario della Rivoluzione francese nel 1989 compose una trilogia in musica in onore delle idee illuministe.